L'AVENIR DE L'ART

Le ciel de Wall Street

2012-01-08T09:40:00.000-08:00

Les artistes contemporains pourraient peindre encore des ciels, comme à l'époque romane, comme à la Renaissance, comme dans la peinture classique, comme au temps des Impressionnistes. Bien sûr, aujourd'hui de nouveau le ciel a changé. Je le peins comme il est maintenant.

(peinture acrylique sur toile, 2004)

Qu'est-ce que l'art ?

2012-01-04T05:48:00.000-08:00

Chacun de nous est un dieu qui se crée lui-même. Tout l'art est là.

Qu'est-ce qu'être matérialiste?

2011-12-30T16:45:00.000-08:00

Lorsque je me déclare philosophe matérialiste, je ne dois jamais oublier qu'il y a beaucoup plus d'énergie sous tension dans l'univers que de matière stable ou inerte. La physique moderne nous enseigne la rareté de la matière, qui n'est qu'un court moment d'équilibre de l’énergie. Les Futuristes italiens, quoiqu'on puisse penser par ailleurs des positions d'extrême droite de plusieurs d'entre eux, et notamment de Marinetti, l'avaient bien compris. Ils valorisaient le mouvement, et même la vitesse, et l'énergie.
Tout est en mouvement, instable, éphémère, tout est énergie cosmique. Cela vaut pour la vie, comme pour l'art,comme pour la philosophie. En ce sens, l'esthétique quantitative dont je souligne l'importance actuelle résulte d'un constat fondamental. D'ou l'importance aussi, en contre-point, de l'arrêt sur image.

Peut-on être un artiste situationniste?

2011-12-25T07:21:00.000-08:00

Le masque, peinture acrylique sur toile, 2007.

Guy Debord est incontestablement l'un des penseurs importants du XXe siècle. Il a su formuler une critique radicale de notre société de consommation dans laquelle toute réalité est devenue marchandise, où toute critique est insidieusement récupérable. La réalité s'évapore dans les filets d'une manipulation cynique des grands marchands. Nous sommes donc immergés dans une aliénation sans fond. La seule réaction pensable qui s'offre à nous est alors celle d'un ressourcement de l'expérience existentielle dans une situation réelle. Voilà le fondement quasi métaphysique ou ontologique du situationnisme. Et cette tentative de retour à l'expérience de situations réelles paraît si inaccessible ou si fugace que le situationnisme, dans sa critique radicale, aboutit à un cul de sac sans espoir de retour. Il n'est plus même possible de produire une image ou un film de plus dans cette "société du spectacle". La seule issue est le suicide, celui dont Guy Debord nous a donné lui-même l'exemple. Et Jean Baudrillard, disciple du situationnisme à partir de sa publication du "Système des objets" et de "La société de consommation", suivant la pente fatale de cette logique, a lui-même abouti à un extrémisme critique aussi séduisant et brillant qu'intenable et finalement outré.
Remettons les étapes de la pensée occidentale en perspective. Jusqu'au Moyen-âge compris, le monde a d'abord été interprété dans une pensée et un langage symboliques, comme une création satellite d'une réalité supérieure magique, religieuse ou idéaliste (Platon). La réalité que nous connaissons est un artefact magique ou divin dans lequel nous sommes pris, mais nous savons qu'il y a ailleurs, au-dessus ou plus mystérieusement à l'intérieur de cette apparence, de ce simulacre, une réalité plus réelle, créatrice, à laquelle nous devons davantage nous référer pour comprendre le sens de l'existence et y agir supérieurement. Bref, la réalité que nous connaissons sensoriellement n'est pas ontologiquement réelle. Notre relation à elle est en fait celle d'un lien symbolique que nous tissons avec les esprits, les dieux, les idées ou Dieu.
C'est seulement à partir de la Renaissance que nous construisons pas à pas la croyance dans la réalité d'ici-bas. Nous en inventons la représentation perspective (géométrie euclidienne), la couleur locale, la figuration ressemblante; nous y mettons de la profondeur, du détail et des ombres; son image devient "vériste". Nous inventons la science d'observation, de mesure et d'expérimentation, nous devenons matérialistes et athées. Pendant cinq siècles, nous élaborons laborieusement ce réalisme vériste par rapport auquel Guy Debord va établir sa référence situationniste nostalgique et la critique de l'évaporation marchande.
Avec le recul, nous comprenons que le situationnisme a eu la vue courte. Il n'a pas pris en compte l'histoire du réalisme, qui n'est finalement qu'une interprétation du monde, et qui n'a duré que cinq siècles, qu'une idéologie qui a remplacé le symbolisme et la religion. Ses vertus ont été indéniables, mais son ontologie est toute relative, comme le soulignait déjà Kant et comme l'ont démontré les phénoménologues. On ne saurait opposer l'absolu de l'expérience ou de situations à l'aliénation marchande. Le situationnisme a eu la vue courte aussi parce qu'il n'a pas pris en compte la dématérialisation de la réalité par la technoscience même qui en est issue.
En fait, ce n'est pas seulement l'aliénation marchande qui a détruit cette réalité épaisse, dense et obscure dont Guy Deboord ne veut plus se passer, et qu'il survalorise. C'est surtout la technoscience qui a dématérialisé ce réalisme inventé à la Renaissance. Elle en a montré l'illusion sensorielle, explorant les lois de l'atome, de l'énergie, de la biologie moléculaire et génétique, en construisant la physique relativiste, puis quantique, et aujourd'hui nanotechnologique. De cette mise en abîme incontournable de la réalité par la science moderne, Guy Debord ne semble pas conscient. Sa pensée est politique seulement.
Du coup, la critique radicale de Debord devient un moment comme un autre de l'histoire des idées, qui a contribué certes à fonder le nihilisme postmoderne, mais qui n'a rien de définitif.
Et quant à la critique de Baudrillard, elle s'embarrasse et se perd dans les entrelacs de son propre langage obsessivement dénonciateur. Par ses inlassables répétitions, souvent incantatoires, par ses basculements dans le catastrophisme fataliste, par ses métaphores de cannibalisme médiatique de la réalité (l'ogrisme des médias), il a fait mouche délicieusement aux yeux du lecteur, mais il a perdu sa crédibilité dans un vertige ontologique qui rappelle les pires moments de la dramaturgie biblique. J'ai d'abord lu Baudrillard avec fascination, puis avec désespoir, puis avec irritation, et je le lis maintenant comme un délice empoisonné.
J'ai moi-même, comme chacun, ma façon de voir le monde, à coup sur déterminée par l'actualité et par une biographie. Dans ma vision matérialiste athée, j'ai développé une relation animale et panthéiste à la nature. J'en suis et j'en jouis. J'en souffre aussi. Et cela compte. Car la seule réalité que nul ne peut mettre en doute, c'est celle de l'exploitation, du cynisme, de l'injustice dont des milliards d'êtres humains sont victimes, du fait de la nature ou du comportement d'autres humains. La souffrance humaine - animale aussi - est une réalité indéniable. Et cette réalité s'objecte à tout négativisme. Elle n'est pas de l'ordre des simulacres que dénoncent Debord et Baudrillard. Elle a force ontologique. Elle nous impose la résistance du réel, une tension existentielle dialectique et concrète; elle nous oblige à la dénonciation, à la lutte. Elle fonde l'absolu de l'éthique planétaire, celle du respect universel des droits humains élémentaires.
L'éthique planétaire est une indéniable pierre de fondation, émotive, sentimentale, certes. Ingénue, utopique sans doute aussi. Mais la seule réalité que je ne saurais mettre en doute sans un cynisme qui me serait intolérable.
Cela dit, qui était nécessaire pour nous comprendre, je reviens à ma question. Peut-on être un artiste situationniste? Peut-on ajouter des images à l'inflation d'images de la société du spectacle et de l'écran? Peut-on créer des images critiques qui ne seront pas récupérées et désactivées par le système marchand que Debord a démonisé? J'ai d'abord cru que non. Dans les années 70, j'ai participé au déconstructivisme de l'image, comme les artistes de BMPT et de Support Surface, dans la foulée de mai 68. C'était un geste scolastique par rapport à l'art. Et j'ai dénoncé les musées et les galeries, et préféré la performance à l'objet d'art. Puis je suis passé de ce geste pictural à une dénonciation sociale. J'ai inscrit cette critique dans les fondements de l'art sociologique.
Aujourd'hui, le contexte idéologique a évolué. Moi aussi. Je ne démonise plus les musées ni le système marchand de l'art. Ses excès peuvent m'exaspérer, mais ils ne changeront pas un atome de ma production artistique, ni ne remettent en question fondamentalement le rôle des musées et des galeries, sauf à lui préférer le système religieux de jadis ou dictatorial du fascisme. Et je crois plus que jamais, envers et contre tout, que l'art est un langage visuel qu'il faut construire pour interpréter le monde. Je suis convaincu que l'art contribue fondamentalement non seulement à interpréter le monde, mais aussi à le dénoncer et à le changer. Je ne jetterai donc pas le marteau parce qu'il se vend dans une quincaillerie, ni parce qu'il peut être dans de mauvaises mains. Je ne dénoncerai pas le tableau parce qu'il faut acheter la toile ou parce que le musée et la galerie sont des médias institutionnels ou marchands. Comme de tout, c'est l'usage qu'on en fait qui lui donne son sens. N'accusons pas le marteau, ni le pinceau, ni la quincaillerie, ni la galerie, ni le musée d'art contemporain.
En fait, l'art fait rarement le mal. Lorsqu'il est fort, il est difficilement récupérable. Et il peut questionner, déconstruire et reconstruire. Il peut, par son esthétique interrogative, créer de la conscience. Il peut s'opposer à la religion économique et financière du monde que nous subissons aujourd'hui, comme il a pu s'opposer à la guerre, à l'Eglise, à l'idéologie bourgeoise, au fascisme. Refuser l'image serait une posture religieuse - celle de l'islam -, ou un abandon dans la lutte contre le scandale du monde. Parce qu'il y a des langages fascistes, racistes, pervers, dois-je renoncer au langage pour dénoncer ces violences et laisser toute la place à ceux qui en abusent?
Je crois au contraire qu'il faut prendre la parole et le pinceau et l'ordinateur pour dénoncer la société du spectacle marchand, la société de l'écran qui cannibalise la réalité, la société de la religion financière qui nous opprime. Et reconnaître aussi les vertus réelles du commerce et des médias, sans attitude binaire caricaturale. La critique situationniste a la séduction des prises de position radicales, mais le monde est plus complexe, multiple, divers et changeant qu'elle ne l'admet. Tout radicalisme est aussi un réductionnisme abusif, invivable et finalement une faute de l'esprit, sauf lorsqu'il se lève contre le mal absolu. Et il peut devenir une oppression en soi. Je préfère ma liberté libertaire et les risques de tout engagement dans les situations réelles (donc contradictoires, discutables, limites, détestables ou attirantes, aliénantes).
Paradoxalement, le situationnisme a été un purisme, c'est-à-dire un irréalisme, le rêve nostalgique d'une réalité qui n'a jamais existé, sauf pour les âmes candides. C'est pour cela qu'on l'aimait et qu'on l'aime encore. Il est intéressant de voir où mènent des logiques de pensée radicales. Guy Debord et Jean Baudrillard nous en ont donné un exemple magnifique.

L'art change le monde

2011-12-23T08:23:00.000-08:00

L'art ne fait pas le mal. Jamais. Le bien? Souvent. L'art change le monde.

images numériques

2011-12-23T05:27:00.000-08:00

Les images numériques sont iconiques aussi. Elles peuvent être sonores sont sans bande son, cinétiques sans dispositif de mouvement, interactives mentalement et sensuellement, les mains sur le clavier. Elles peuvent twitter en ligne.

L'art est une drogue socialement acceptable

2011-11-27T09:17:00.000-08:00

J'ai souvent souligné que l'art est un outil de connaissance.
Mais comme la magie et la religion, l'art est aussi une drogue. Une drogue dure ou douce, mais qui crée une dépendance. Une drogue socialement acceptable et même qui a toujours eu une fonction sociale majeure. Car l'art nous permet dans la sorcellerie de communiquer avec le monde des esprits auquel nous sommes soumis. Dans la religion il nous appelle vers l'au-delà divin. Sous l'emprise du capitalisme, il devient une marchandise, mais aussi un symbole de légitimité spirituelle de la richesse financière. Et aujourd'hui il prend la relève de la magie et de la religion. Freud en soulignait le pouvoir de sublimation de notre énergie sexuelle et l'effet léger de narcose qu'il peut induire.
L'art nous a toujours donné et continue à nous donner d'immenses illusions, comme les drogues. Nous ne saurions en refuser le plaisir. Nous en recherchons l'excitation. Cela augmente son pouvoir de changer le monde.

Niki de Saint-Phalle

2011-11-25T16:06:00.000-08:00

Je pense à Niki de Saint-Phalle, une immense artiste! Admirable. J'avais fait sa connaissance personnellement en 1972 à Soisy-sur-École, un petit village près de Paris où elle s'était installée avec Jean Tinguely dans l'ancienne Auberge du cheval blanc. Je n'ai pas oublié l'ambiance de la grande salle, le désordre dedans et dehors dans la cour, les miettes de pain demeurées sur la grande table de ferme, et qu'elle envoya parterre d'un revers de main énergique, lorsque nous nous y assîmes. Elle était d'apparence frêle, mais incroyablement forte, volontariste, mais sans prétention à s'imposer. Féministe hypersensible, obsédée de vie; surmontant sa tristesse intérieure, elle a sculpté et peint ses Nanas comme des icônes joyeuses de la femme. Emblématique des quêtes de son époque. Je n'ai pas rencontré dans ma vie beaucoup d'artistes qui m'ait tant impressionné.

Mi amigo Norberto Griffa

2011-11-23T18:09:00.000-08:00

Se publico lo siguiente cuando fallecio Norberto Griffa:
El director del Departamento de Arte y Cultura de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), Norberto Griffa, falleció hoy a los 70 años, según informaron desde la institución que "lo despide con profundo pesar y agradecimiento por la labor realizada en pos del arte y la cultura en nuestro país".

Abogado de la Universidad de Buenos Aires y especialista en temas de filosofía, Griffa publicó numerosos trabajos en la temática. A partir de 1990 coordinó proyectos de creación de carreras que se encontraban en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología a nivel terciario y, en 1999, lideró la creación de la Licenciatura en Artes Electrónicas de la UNTREF, que dirigió desde la fecha de su creación, en el 2000.

En la UNTREF ocupaba hasta el día de hoy el cargo de director del Departamento de Arte y Cultura y el de director académico de la Cátedra UNESCO de Turismo Cultural UNTREF/AAMNBA (Asociación Amigos del Museo Nacional de Bellas Artes).

Aníbal Jozami, rector de la UNTREF se refirió a Griffa como un ejemplo por el entusiasmo, la honestidad intelectual y creatividad con la que se desempeñó hasta el último día.

Deseo decir que el fue un amigo entrañable para mi. Yo lo amaba y respectaba mucho por sus virtudes de pensador y de persona humana. El ha tenido un papel espetacular en el desarrollo del departamento de arte y cultura de la UNTREF y lo ha consolidado hasta el ultimo dia. Teniamos junctos el proyecto de un seminario sobre el futoro del arte y las bellas artes digitales.
La muerte de Norberto Griffa significa para mi y muchos otros artistas, pensadores y estudiantes de multimedia una pérdida y una tisteza inmensas.
Asi encontramos la muerte en el camino del arte de manana. No debemos olvidar a Norberto.

l'avenir des beaux-arts numériques

2011-11-21T07:14:00.000-08:00

L'idée fait son chemin. La reconnaissance des beaux-arts numériques se confirme.

Le numérique iconique

2011-11-19T07:56:00.000-08:00

L'essence de l'art est son pouvoir iconique.

L'avenir de l'art à Amsterdam en 1978?

2011-11-14T14:50:00.000-08:00

Art sociologique à Amsterdam

2011-11-13T06:06:00.000-08:00

Création quotidienne pendant une semaine d'une page d'information sur leur quartier par les habitants du Jordaan dans le quotidien Het Parool, avec un collectif hollandais et le soutien de la Fondation De Appel, 1978.

Art sociologique à Amsterdam

2011-11-12T08:34:00.000-08:00

En 1998, avec le soutien de la Fondation De Appel, et un collectif hollandais, "Jordaaners, Maak uw krant!". Autogestion pendant une semaine d'une page quotidienne d'information locale par les habitants du quartier De Jordaan. Le journal comme medium artistique pour une démarche interrogative.

art sociologique à Amsterdam

2011-11-08T07:33:00.000-08:00

Autogestion par les Jordaaners d'une page par jour pendant une semaine dans le journal Het Parool, avec un collectif hollandais et le soutien de la Fondation De Appel, 1978.

Museo de arte moderno de Mexico

2011-11-07T13:57:00.000-08:00

Transformation de la façade du musée pour l'Evento social imaginario La calle Adonde llega?, 1983.

Le progrès en art

2011-11-06T16:51:00.000-08:00

Le progrès en art n'existe pas. Cela ne veut pas dire que l'art ne peut pas peindre le progrès et le questionner sous l'oeil ironique de l'éléphant bleu.
Peinture acrylique sur toile, 2000.

TWEET ART. A new dynamic in art creation and communication

2011-11-04T07:40:00.001-07:00

TWEET ART. A new dynamic in art creation and communication

We have known the Correspondence School of Art of Ray Johnson, the postal art, the pills from the Fischer Pharmacy Inc., the artist’s stamps, graffiti and posters on the walls, imaginary signalizations in the streets, tags, and now we try a new way: the tweet art on the web and in the social media. Not limiting us to 140 characters or SMS, we create and diffuse small images, provocative icons and pictograms, which may question art, politics and ethics. Of course, as one may say: l tweet, therefore l am, giving echo to the euphoric tweet of the birds who enjoy life and son. There may be a joyful entertainment with tweet art. But we may also consider it as a new step in sociological art, with its critic attitude and interrogative aesthetics*.

*Art and marginal communication, Balland, Paris, 1974

L'art postal aujourd'hui en ligne

2011-11-03T06:37:00.000-07:00

En reprenant la pratique de l'art postal des années 1970 aujourd'hui avec l'internet, il est possible de rejoindre un public beaucoup plus large que le micro-milieu artistique d'autrefois. C'est ce que je tente aussi avec le tweet art sur twitter.

Hygiène de l'art: la déchirure

2011-11-02T08:36:00.001-07:00

Exposition d'oeuvres d'art déchirées présentées sous sachets plastiques hygiéniques, 1971-1974

Ton monument imaginaire

2011-11-01T08:08:00.000-07:00

Art sociologique à Mexico.
"Dessine le monument imaginaire que tu voudrais voir ériger dans ton quartier". Evento social imaginario, La calle Adonde llega? 1983

Un musée d'art moderne devenu populaire

2011-10-31T13:07:00.000-07:00

Le musée d'art moderne de Mexico en 1983 lors de l'evento social imaginario. C'est le peuple de la rue qui y entre cette fois, qui s'y exprime sur les cimaises, qui s'y sent chez lui et y revient chaque jour.

Il n'y a pas de progrès en art

2011-10-27T07:18:00.000-07:00

Signalisation imaginaire à Montauban, France, en 1982

beaux-arts numériques

2011-10-26T07:32:00.000-07:00

"La planète verte". Peinture numérique sur écran cathodique, 2011.

La déchirure des oeuvres d'art

2011-10-25T10:26:00.000-07:00

Hygiène de l'art, campagne prophylactique, 1971-1974. Plus de 300 artistes m'ont envoyé une oeuvre à déchirer et exposer sous sachet plastique hygiénique.

La parole de l'artiste

2011-10-24T14:36:00.000-07:00

L'artiste peut-être autiste. Je n'en connais pas dans l'histoire de l'art - sauf erreur. Il peut être timide, introverti, ou silencieux par stratégie. Mais qu'il soit autiste,introverti ou astucieux stratège, il est un créateur, donc il pense. Qui prétendra le contraire? Et dès lors, il est libre de choisir la parole ou le silence. L'artiste-philosophe est un artiste qui lie l'art et la parole, qui crée et qui parle. C'est un choix de posture publique, à contre-courant de l'idéologie dominante des étiquettes discriminatoires. Un choix qui ne garantit aucunement qu'il soit intéressant.
Hervé Fischer au Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquen, Argentine, 2009. Exposition de peintures acryliques sur toile "El universo financiero".

Hygiène de l'art

2011-10-21T10:53:00.000-07:00

La déchirure des oeuvres d'art, expositions sous sachets plastiques, 1974, collection du Musée national d'art moderne, Centre Pompidou.

Museo de arte moderno, Mexico, La calle

2011-10-15T08:48:00.001-07:00

1982. Evento social imaginario "La calle Adonde llega?"

Les arts scientifiques

2011-10-12T10:13:00.000-07:00

Ils contribuent aux débats sociaux sur la science et donc sur notre avenir. Ils sont interrogatifs.

Le papillon numérique

2011-09-13T11:17:00.000-07:00

Je l'ai donc trouvé près des chutes d'Iguazu, où il est commun et peu farouche. Il est longuement resté sur ma main. De quelle planète s'est-il échappé? Ou bien porte-t-il son adresse postale sur les ailes? 88, chute d'Iguazu, ARGENTINE. Peut-être est-il le papillon timbre poste - oblitéré - des Guarani.

Je suis un peintre primitif du numérique

2011-09-08T11:21:00.001-07:00

Le livre est un ruisseau d'art

2011-08-31T16:04:00.000-07:00

Une exposition organisée par Béatrice et Bernard Immel dans le village français de Cornilhac-Corbières. Un excellent catalogue.
www.artdansleruisseau.com
à ne pas manquer.

Peintures ADN

2011-07-27T04:34:00.000-07:00

Peintures acryliques sur toile 2000. Variations sur le code à quatre lettres de l'ADN.

Codes à deux et à quatre variables

2011-07-26T18:43:00.000-07:00

Le code binaire de l'informatique passe à quatre variables, a, c, g, t dans la construction de l'ADN.
Y a-t-il des codes à cinq, six ou plus de variables? La physique quantique nous engage dans cette voie. L'artiste peut se donner le droit d'en inventer. Il peut aussi célébrer la divergence: par exemple l’évènement d'un troisième variable dans un code binaire.
Peintures acryliques sur toile de 1999 et 2000 dans mon exposition à la Pinacoteca de Concepcion, Chili, en 2006.

L'importance des arts scientifiques

2011-07-25T04:43:00.000-07:00

Impressionnisme et lois de Chevreul sur la couleur, surréalisme et psychanalyse, art sociologique, art conceptuel et linguistique, bioart, écorché, manipulations génétiques, chimères, hybridations, exploration de la matière, de la lumière, du magnétisme, de la chimie, de la mémoire des métaux, de l'espace, de la météorologie, des mathématiques, de la programmation informatique, des nanotechnologies, des lois du chaos: autant de démarches qui relèvent d'une importante tendance de l'art qu'il faut bien nommer "les arts scientifiques". Il ne faut pas s'en surprendre étant donné l'accélération actuelle de la recherche technoscientifique, qui est devenue une part centrale de notre cosmogonie et de notre culture. Léonard de Vinci avait déjà été fasciné par la technique et la science qui ont été au coeur du mouvement d'idées de la Renaissance.
J'en ai parlé longuement dans "La société sur le divan" (vlb 2008), puis dans "L'avenir de l'art" (vlb, 2010). Ce type de création, qui explore les structures et les lois de la nature, mais qui contribue aussi aux débats sociaux sur les enjeux actuels de la technoscience, ne fait que commencer.Il s'aventure parfois dans des démarches extrêmes.

Codes-barres emblématiques de nos sociétés

2011-07-24T08:55:00.000-07:00

Peintures acryliques sur toile de 1999 et 2000. Exposition à la Pinacoteca de Concepcion, Chili.

Codes-barres emblématiques de nos sociétés

2011-07-23T15:21:00.000-07:00

Peintures avcryliques sur toile de 12999 et 2000. Exposition à la Pinacoteca de Concepcion, Chili, 2006.

Pinacotec&a de Concepcion, Chili

2011-07-22T17:39:00.001-07:00

Salle de mon exposition en 2006.

Pharmacie Fischer à Sao Paolo

2011-07-20T18:54:00.000-07:00

Performance publique sur la Plaza da Republica, Sao Paolo, 1976. L'art publique n'est pas limité à la sculpture.

codes-barres

2011-07-19T18:38:00.000-07:00

Salle d'exposition à la Pinacoteca de Concepcion, Chili, 2006

Exposition à la Pinacoteca de Concepcion, Chili

2011-07-18T18:26:00.000-07:00

Salle d'exposition en 2006.

Affichage imaginaire

2011-07-17T04:38:00.000-07:00

En 1983, à Lyon, l'affiche urbaine comme média artistique. Une cinquantaine d'affiches et de signalisations imaginaires. Les panneaux composant l'affiche sont collés de façon aléatoire.

Le pouvoir de l'art

2011-07-16T07:41:00.000-07:00

Affichage imaginaire lors de la Biennale de Sao Paolo de 1980. La liberté s'affiche, malgré la dictature militaire et la réalité à laquelle il s'oppose. Deux noms de quartiers de Sao Paolo que j'ai repris pour ce message.

La mort de l'art

2011-07-13T07:45:00.000-07:00

La mort de l'art est une fiction. Une fiction apparue avec la modernité, mais qui demeure impossible. A moins qu'il n'existe plus aucun homme pour le dire.

Et si nous parlions de l'art de l'avenir

2011-07-12T05:43:00.000-07:00

Ne devrait-ce pas être la même question? La même volonté? Un art difficile, responsable,dans lequel nous sommes tous artistes, tous engagés, collectivement. Toute la planète Terre!

L'avenir de l'art, c'est l'avenir de l'homme

2011-07-11T18:32:00.000-07:00

L'art continuera aussi longtemps que l'homme. La mort de l'art n'est pas plus en vue que celle de l'art. Il ne faut pas se laisser influencer par les propos pessimistes. L'art est la médiation incontournable entre le monde et l'image que nous en construisons.

Vers où? Plus loin.

2011-07-10T18:13:00.000-07:00

Wohin? Weiter. L'avenir? Est-ce important de penser à l'avenir de l'art? N'est-ce pas le présent qui est important? Tout art n'implique-t-il pas un projet?

Signalisation imaginaire dans un champ à Winnekendonk, Allemagne, en 1982.

Futuro - De pressa

2011-07-09T16:19:00.000-07:00

Vite -Vers le futur.
Intervention de signalétique imaginaire urbaine lors de la Biennale de Sao Paolo, 1980.

En haut de l'escalier

2011-07-08T14:02:00.000-07:00

L'avenir de l'art: dans le ruisseau de Philippe Immel? En haut de l'escalier? Ici dans le musée d'art moderne de Céret, c'est une rétrospective.... (2010-2011).

N4y-a-t-il pas d'avenir pour l'ar?

2011-07-07T19:43:00.000-07:00

Intervention signalétique imaginaire: panneaux NON à Besançon. une série d'intervention d'art sociologique au début des années 2980.

Quel avenir pour l'art?

2011-07-06T10:50:00.000-07:00

Je me suis essayé à en parler dans L'avenir de l'art (éditions vlb, 2010), mais j'ai souligné aussi qu'il faut sortir de la pensée linéaire et qu'il n'y a pas de progrès collectif en art. Alors quelle direction prendra-t-il? J'ai évoqué l'idée qu'il adopte de plus en plus une esthétique interrogative.

Québec - Ottawa - Paris

2011-07-05T07:31:00.000-07:00

Comment mesurer les distances?
Intervention signalétique à Québec, dans le cadre du colloque "art et société" organisé par la revue Inter - Le lieu, en 1980.

Liberdad, realidad

2011-07-04T06:19:00.000-07:00

Mise en place de l'une des affiches urbaines à Sao Paolo, lors de la Biennale de 1980, sous la dictature militaire

Esthétique et éthique

2011-07-03T05:13:00.000-07:00

L'esthétique artistique tend à dépasser le stade des inventions formelles décoratives et des exercices de style gratuits pour situer son inspiration soit dans l'éthique sociale, soit dans la connaissance panthéiste de la nature, qu'elle soit sensible ou technoscientifique.
Lorsque l'art se rapproche d'une démarche philosophique, il adopte une esthétique interrogative. Lors qu'il traite non de la société humaine, mais de la nature, il tend vers ce que j'ai appelé les arts scientifiques (bio art, art éconumérique,astrophysique, etc.) Ces deux démarches tendent évidemment souvent à se rejoindre, notre responsabilité humaine devenant évidente dans la protection de la nature autant que dans l'éthique planétaire et les débats de nos sociétés.

Signalisation imaginaire à Montauban

2011-07-02T08:15:00.000-07:00

50 panneaux imaginaires sur le thème du futur, à Montauban (France), en 1982.

Céret, signalisation imaginaire, suite

2011-07-01T07:20:00.001-07:00

2010-2011

Tout art est iconique

2011-06-30T05:49:00.000-07:00

Selon les déclinaisons les plus diverses, y compris le décentrage de l'image. Toute pensée profonde aussi est iconique. Il s'agit d'une modalité fondamentale de notre structure mentale, conceptuelle, visuelle, sonore, gestuelle, olfactive, etc.

signalisation artistique à Céret

2011-06-29T15:21:00.000-07:00

Devant l'entrée du musée d'art moderne de Céret.

signalisation artistique à Céret

2011-06-28T06:32:00.001-07:00

Céret, signalisation imaginaire, suite

2011-06-27T05:39:00.001-07:00

Céret, signalisation imaginaire

2011-06-26T06:55:00.001-07:00

2010

Céret, signalisation imaginaire

2011-06-25T05:20:00.001-07:00

2010.

signalisation artistique à Céret

2011-06-24T06:47:00.000-07:00

"Défense d'afficher" et divers panneaux, dont celui sur le musée et celui sur l'art.

signalisation artistique à Céret

2011-06-23T07:10:00.000-07:00

2010

signalisation artistique à Céret

2011-06-22T07:27:00.001-07:00

signalisation artistique, Céret

2011-06-21T08:00:00.001-07:00

signalisation artistique à Céret

2011-06-20T04:47:00.000-07:00

Depuis octobre 2009 signalisation artistique dans les rues de Céret, à l'occasion de ma rétrospective au musée d'art moderne. Reprise de mes panneaux de douane culturelle de Paris (1974)

Lyon, art, nuages

2011-06-19T06:16:00.003-07:00

Affichage aléatoire en 1983. Une trentaine d'affiches et de panneaux de signalisation.

La murale aux mains du musée de Céret

2011-06-18T05:07:00.000-07:00

En cours de réalisation, octobre 2009.

Douane culturelle

2011-06-17T14:28:00.001-07:00

Paris, art

2011-06-16T07:25:00.003-07:00

Paris, art

2011-06-15T08:49:00.001-07:00

ART ! Qu'avez-vous à déclarer? (2)

2011-06-14T06:16:00.001-07:00

ART ! Qu'avez-vous à déclarer?

2011-06-13T10:27:00.000-07:00

Cette série d'une cinquantaine de signalisations imaginaires à Paris, dans les rues des galeries d'art de Saint-Germain-des-Près, est demeurée en place pendant les mois d'été de 1974. C'était ma première intervention urbaine avec des signalisations détournées du code routier, que j'ai multipliées par la suite.

Jacques Lepage au Musée de Céret

2011-06-12T08:44:00.000-07:00

En 1972, Jacques Lepage et Hervé Fischer devant les essuie-mains d'hygiène de l'art présentés à l'exposition Impact 2.

De la grotte à la caverne, puis au musée - de l'obscurité à la lumière, puis à la matière

2011-06-11T08:27:00.000-07:00

De la grotte préhistorique avec ses peintures pariétales à la caverne platonicienne des simulacres et des mensonges de nos perceptions, nous avons évolué dans une grande aventure spirituelle de l'Occident. Nous sommes passés d'un marquage magique, animiste, de la paroi sombre à sa dévalorisation au nom d'un monde des idées. L'esprit a migré de l'obscurité à la lumière, de l'animisme au déisme.
Et nous voilà dans le musée, dans le temple de l'art, mais d'un art qui aujourd'hui démystifie le cadre et le châssis de la toile, conteste le simulacre de la représentation picturale, pose des questions critiques sur lui-même, sur le musée et sur la société. Hygiène de l'art, art sociologique, esthétique interrogative critique. Voilà la conquête de l'athéisme. Et le musée devient ainsi un lieu social et philosophique, qui contribue à l'avancée de notre conscientisation humaine, de notre lucidité et de notre liberté.
J'ai ainsi le sentiment que nous avons parcouru beaucoup de chemin dans notre évolution humaine et que la dite crise de l'art que nous avons traversée nous a fait beaucoup avancer. Un moment emblématique de l'avenir de l'art, que cette démarche au Musée d'art moderne de Céret marque fortement du fait du réemploi divergent, réactualisé, des empreintes de mains préhistoriques. Ce n'est pas un cycle qui est bouclé, mais au contraire un changement radical de l'esprit qui est clairement indiqué.

Les essuie-mains et la murale aux mains, Musée de Céret, Rétrospective octobre 2010 - mai 2011, Musée de Céret. Les quatre essuie-mais - hygiène de l'art datent de 1971 et la murale de 2010.

Hygiène de l'art: le quatrième essuie-mains

2011-06-10T12:43:00.001-07:00

En plastique transparent: le plus hygiénique.

Hygiène de l'art, l'essuie-mains (1)

2011-06-09T08:22:00.000-07:00

Cet essuie-mains sur toile à peindre, est présenté dans un ensemble de quatre essuie-mains. Le premier est un essuie-mains courant, constitué d'un rouleau de bois auquel est suspendu une toile de torchon, ironisant sur la problématique de déconstruction de la toile et du châssis prônée par le mouvement Support/Surface. Le second est le même que le premier, mais couvert d'empreintes de mains. Le troisième remplace le torchon par de la toile à peindre sur lequel je peins aussi des empreintes de main. Le quatrième et dernier remplace la toile par du plastique, un matériau réputé plus hygiénique, d'autant plus qu'il est transparent, sur lequel je sérigraphie des empreintes de mains. Chaque essuie-mains de la série prend donc valeur plus indéniable de peinture et le tout devient emblématique de cette époque de l'art français! Guère apprécié dans le micro milieu avant-gardiste du moment, le torchon étant sans doute jugé trop trivial.

Hygiène de la galerie (détail)

2011-06-08T11:19:00.000-07:00

Espace 640. 1973. La galerie d'art peinte avec des contre-empreintes de mains préhistoriques.

Hygiène de l'art

2011-06-06T13:44:00.000-07:00

Je reviens aux mains, ce geste élémentaire de l'être humain par rapport au support de l'image. L'un des tous premiers de notre évolution humaine, qui s'imposait bien plus au début des années 1970 que les formes des artistes de BMPT ou de Support/Surface en mal de démystification de la peinture, de ses illusions représentatives et de ses inspirations subjectives. Il était important de rechercher en amont des styles fatigués de l'époque, notamment de la figuration et de l'abstraction lyrique, une case départ où échapper aux stéréotypes académiques et retrouver une liberté conceptuelle et esthétique. C'était pour moi une réappropriation incontournable de ma démarche, au même degré que la déchirure des oeuvres d'art. On pensait aussi à une hygiène de l'institution, en exposant dans la rue ou dans les champs, comme l'a fait Support/Surface. En annonçant la fermeture du Musée des arts décoratifs ou l'hygiène de la galerie d'art, comme je l'ai fait. On était juste après Mai 68.
Hygiène de la Galerie, couverte de contre-empreintes de mains de style préhistorique à l'Espace 649, galerie de la revue Artitudes, Saint-Jeanney (France), en 1973

Pharmacia Fischer au Brésil

2011-06-05T06:09:00.000-07:00

Art sociologique, performance Plaça da Republica, Sao Paolo, 1976.

Art sociologique à Sao Paolo (3)

2011-06-04T05:09:00.000-07:00

Pharmacie Fischer sur la Plaça da Republica, 1976.

NON

2011-06-03T11:11:00.000-07:00

Rue de l'avenir, intervention d'art sociologique à Besançon en 1982: une série de signalisations imaginaires en rappel interrogatif.

Art sociologique à Sao Paolo - Pharmacie Fischer (2)

2011-06-02T11:09:00.000-07:00

Pharmacie Fischer sur la Plaça da Republica en 1976

Pharmacie Fischer à Sao Paolo

2011-06-01T07:41:00.000-07:00

Intervention d'art sociologique, Plaça da Républica, en 1976. Vérification policière;

art sociologique - la Pharmacie Fischer à Milan (2)

2011-05-31T07:39:00.000-07:00

Milano, Plazza del Duomo, 1976.

Art sociologique: la Pharmacie Fischer

2011-05-30T05:17:00.000-07:00

Performance Plazza del Duomo, Milano, 1976.

Attention à la peinture jaune

2011-05-29T06:42:00.000-07:00

Sérigraphie avec sifflet de la série "La vie d'Artiste", 1971-1973.

Arrêt sur image

2011-05-28T06:17:00.000-07:00

Confronté au foisonnement des ondes, au déferlement des flux du numérique, l'artiste est celui qui tente de synthétiser l'arrêt sur image.
(dialogue avec une peinture acrylique sur toile de 2000)

De l'art conceptuel

2011-05-27T10:09:00.000-07:00

Pilules distribuées en 1972 contre l'art conceptuel.

Toiles et essuie-mains

2011-05-26T04:51:00.000-07:00

Exposition à la maison de la culture d'Amiens, 1974.

Pilules d'art sociologique

2011-05-25T11:34:00.000-07:00

Attention aux contre-façons et aux effets secondaires.
hf

Les mains au Musée des beaux-arts du Canada

2011-05-24T10:48:00.000-07:00

Toiles de mains au Musée d'art moderne de Céret (octobre 2010 - mai 2011)

Belle idée de son directeur Marc Mayer que cette exposition qui vient d'ouvrir au Musée des Beaux-arts du Canada, consacrée à la thématique des mains depuis le XVIe siècle jusqu'à aujourd'hui, avec une soixantaine d'oeuvres. Je vais aller la visiter.
Je ne me plaindrai certainement pas d'en avoir été exclu, puisque ce sont des oeuvres de la collection du mba et qu'à ma connaissance ils n'ont rien de moi.
Le musée d'art moderne de Céret (France) m'a d'ailleurs donné l'occasion, lors de la rétrospective de mon travail, de montrer pleinement mes toiles de contre-empreintes de mains, les essuie-mains et les panneaux de signalisation de mains sur tôle émaillée de 1971 et permis de créer une grande murale de mains.

Ma pharmacie de 1974: le pillole sono la vita

2011-05-23T09:06:00.000-07:00

J'ai dans les années 1970 installé la Pharmacie Fischer Inc dans beaucoup de pays de langues différentes. Le critique d'art italien Franco Torriani, à l'annonce de la mise en ligne de ma Pharmacie, m'envoie la photo de la boîte qu'il a gardée. J'avais ouvert ma Pharmacie sur la place de la cathédrale à Milan.
Heureux pour lui qu'il n'ait pas eu besoin d'ouvrir la boîte. Signe de bonne santé!

Art et philosophie, définitions, historique des oppositions et des liens

2011-05-22T06:24:00.000-07:00

On définit communément et de façon assez pérenne la philosophie comme la recherche critique de la vérité. Cette recherche se base elle-même sur la définition des notions telles que l’être, la pensée, la conscience, le sujet, l’objet, la raison, la causalité, la perception, le bien, le mal, la liberté, le beau, et sur les liens rationnels que l’on peut établir entre eux. La philosophie présuppose la croyance dans la légitimité du rationalisme.
La définition de l’art, au contraire, a beaucoup évolué historiquement et varié selon la diversité des sociétés. Originellement liée à la magie, puis à la religion, l’art occidental a incarné successivement les idéologies classique, romantique, moderne, avant-gardiste, postmoderne et connu des changements, des polémiques et des crises de plus en plus profonds et rapides, au point de voir sa légitimité remise en question. L’art actuel semble rejeter le système même des beaux-arts au bénéfice d’un art numérique répondant à une esthétique, des critères et une fonction sociale radicalement différents.
Les liens entre philosophie et art ont évolué conséquemment. Depuis Platon, la philosophie a tendu à rejeter l’irrationalisme de l’art, ses inspirations imaginaires, au nom de la raison et de l’histoire (Hegel, Auguste Comte), tout en consacrant un chapitre de la philosophie à l’esthétique (Hegel, Kant, Schelling). Les romantiques ont opposé, à leur tour, radicalement l’inspiration, l’irrationalisme et la sensibilité de l’art à la sécheresse de la logique rationnelle. Nietzsche, après avoir souligné l’antinomie entre la rigueur apollinienne et l’ivresse dionysiaque, a été cependant le premier à remettre en question la recherche de vérité de la philosophie et à réhabiliter conséquemment l’art comme un mode de connaissance alternatif. En ce sens, il a été le premier philosophe postmoderne.
Depuis lors, la remise en question du positivisme et la crise radicale du postrationalisme aidant, beaucoup de philosophes admettent que l’art soit un objet et même un mode de connaissance légitime. Le rapprochement entre l’art et les sciences humaines (psychologie, psychanalyse, sociologie, linguistique, mythanalyse), puis dures (mathématiques, informatique) a rapproché aussi l’art de la philosophie elle-même.
Un certain épuisement en art de l’invention esthétique et la prise en compte grandissante des enjeux éthiques, une conscience de plus en plus aigue du rôle que peut jouer l’art dans les débats sociaux, le retour, après le nihilisme postmoderne, à l’engagement volontariste altermondialiste, m’ont conduit moi-même à rejeter l’opposition séculaire entre art et philosophie et à opter pour un art philosophique.
Hervé Fischer

Pour un art philosophique

2011-05-21T05:16:00.000-07:00

Ceci n'est pas un manifeste:

Les catégories bloquent la liberté de penser et d’agir. Ce ne sont que des tiroirs pour les obsédés de classification ; ou des territoires institutionnels et corporatifs. Pourquoi n’aurait-on pas le droit d’être boulanger musicien ? Cela ferait-il du mauvais pain ? De la mauvaise musique ? Rendons à Aristote et à César leur dû, puis transgressons joyeusement les prétendues frontières du savoir et des idées, qui ne sont que des conventions sociales. J’opte sans limite pour un art philosophique.
L’aventure est d’autant plus excitante que les grands philosophes traditionnels ont toujours opposé la « recherche de vérité » de la philosophie aux illusions de l’art. Platon traitait l’artiste de menteur et Hegel voyait dans l’art un état inférieur de la Raison qui devait dans les étapes progressives de l’Histoire de l’Esprit, comme la religion, laisser place désormais à la philosophie. Cette opposition ingénue a prévalu constamment au nom du rationalisme contre l’irrationalisme. Il est vrai que l’esthétique est devenue une part importante de la philosophie, notamment avec Hegel, Kant, Schelling, mais l’idée commune qui s’est imposée a été de concevoir l’art et la philosophie comme deux pôles opposés de l’activité humaine, l’un rigoureux, abstrait, rationnel, déductif, universel, austère, l’autre du côté de l’imagination, donc de l’irrationnel, de la sensibilité, du non conceptuel, de la fantaisie individuelle. Il s’agirait de deux hémisphères du cerveau, qui ne sauraient être dans la même tête.
C’est sans doute Chenavard, au XIXe siècle, qui a lancé le premier l’idée d’un « art philosophique ». On l’aurait oublié si Baudelaire n’en avait pas repris l’idée (Documents posthumes), mais pour s’en moquer comme d’une attitude de la plus grande médiocrité. Il n’y voit qu’« un retour vers l’imagerie nécessaire à l’enfance des peuples ». Cependant Nietzsche a été beaucoup plus audacieux. Tout en opposant Apollon et Dionysos, il ose revendiquer une attitude de « philosophe-artiste » et affirme de façon provocatrice que « l’art est une valeur supérieure à la vérité ». « Heureusement que nous avons l’art pour ne pas mourir de la vérité », ajoute-t-il. L’idée n’a pas été prise en compte par les mouvements artistiques, et encore moins par les philosophes, jusqu’à ce que, dans les années 1970-80, plusieurs artistes créent l’art conceptuel et que Joseph Kossuth pose la question de « l’art après la philosophie - Art after Philosophy ». De même, le groupe Art Language aborde la sémiotique et la linguistique, Ian Wilson propose, en tant qu’artiste, des « dialogues philosophiques » à ses collectionneurs. En Allemagne, Joseph Beuys fonde une « Université libre - Freie Universität », mais c’est étonnamment en renonçant à l’art au nom de la pédagogie. En France, en fondant l’art sociologique, au début des années 1970, j’ai revendiqué l’importance d’une pratique philosophique de l’art, qui serait « socio-pédagogique », et développerait une « esthétique interrogative » (L’art comme pratique philosophique, Cahiers de l'Ecole sociologique interrogative N°1, 1980). Par la suite, des écrivains comme Jean-Noël Vuarnet ou Mario Borillo ont relancé le débat. J’y suis revenu aussi en consacrant à l’artiste québécois Denys Tremblay en 2009 un chapitre intitulé L’artiste philosophe (Un roi américain, édition vlb). Puis en 2010 dans L’Avenir de l’art, j’ai affirmé que « contrairement à la prophétie hégélienne, l‘art devient de plus en plus philosophique. L'art occidental pense le monde, son propre sens et celui de l‘aventure humaine » et « l'éthique inspirera de plus en plus l'esthétique ».
Plus qu’un mouvement artistique constitué, l’art philosophique sera de plus en plus une tendance forte, transversale, qui s’exprimera diversement selon les styles et les médias. Il semble qu’en se liant aux débats de société et en constatant un certain épuisement de la recherche esthétique pour elle-même, les artistes du XXIe siècle deviennent davantage des artistes d’idées, qui assument plus explicitement le rôle conceptuel de l’esprit dans la création artistique, renouant avec cette affirmation célèbre de Léonard de Vinci : l’art est cosa mentale.
Hervé Fischer
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 Frédéric Nietzsche, Naissance de la tragédie, 1886
 Mario Borillo, Approches cognitives de la création artistique, édition Pierre Mardaga, 2005
 Hervé Fischer, L'avenir de l'art, (édition VLB, 2010)
 Hervé Fischer, Un roi américain, édition VLB, 2009
 Jean-Noël Vuarnet, Le philosophe-artiste, édition Leo Scherer, 2004

signalisation artistique

2011-05-20T12:51:00.001-07:00

50 panneaux dans le quartier des galeries d'art, Paris, 1974

Murale aux mains du musée de Céret (2)

2011-05-19T07:27:00.001-07:00

La murale aux mains du musée de Céret

2011-05-19T06:02:00.000-07:00

Je reprends ici pendant quelques jours les photos de la murale que j'ai réalisée au musée de Céret en octobre 2010 parce qu'il est actuellement prévu qu'elle soit effacée d'ici la fin du mois pour faire place à la programmation d'été du musée.Elle aura moins duré que les peintures des grottes préhistoriques! Il semble que cette constatation fasse partie aussi de l'avenir de l'art: son éphémérité grandissante.

Pilules pour l'avenir

2011-05-18T06:32:00.000-07:00

Une prescription urgente!